Hector Olivera - Communication Visuelle

2011-07-21T19:47:00.000-07:00

VISITEZ: WWW.HECTOR-OLIVERA.COM

Création graphique

Profil Hector Olivera

2011-07-02T16:28:00.000-07:00

2011-06-28T10:56:00.000-07:00

Série: Prendre des nouvelles racines

Prendre des nouvelles racines

"Je sens courir la sève fraiche et fructifiante et je suis comme un arbre transplanté qui souffre et se bat pour s'enraciner".

Hector Olivera travaille actuellement en tant que graphiste, illustrateur et professeur d'arts plastiques. Il a suivi des cours dans diverses disciplines reliées aux arts visuels. Son passage à lÉcole National de Beaux Arts de l'Uruguay et à l'atelier du professeur Anhelo Hernandez lui ont infusé la passion de l'art.
"La danse des textures, les formes et les couleurs m'ont incité à relever les défis du riche monde des arts plastiques. La peinture acrylique me permet de m'aventurer dans la construction risquée d'une poésie visuelle. Quand manquent les mots, il y a le langage gestuel de la Lumière, par lequel j'exprime mon émerveillement de me sentir en vie".

"I feel the fresh and fructifying sap flowing and I am like a transplanted tree suffering and fighting to take root".
Hector Olivera

He is presently working as a graphic designer, illustrator and teacher of plastic art . He studied in various visual art related fields. Studying at the “National School of Fine Arts” from Uruguay and with Professor Anhelo Hernandez instilled in him a passion for art.
"The dance of textures, shapes and colors push me to challenge the rich world of plastic arts. Acrylic painting allows me to venture in the hazardous construction of visual poetry. When words fail me, there is the gestual language of Light, through which I can express my wonder of feeling alive".

"Sintiendo correr la fresca savia fructífera, soy como un árbol que transplantado se bate sufriente por enraizarse."
Héctor Olivera, en la actualidad trabaja en Montreal como diseñador gráfico, ilustrador y profesor de artes plásticas. Cursó estudios incursionando en diversas disciplinas relacionadas con las artes visuales. Su paso por la Escuela Nacional de Bellas Artes de Uruguay y por el taller del Prof. Anhelo Hernández le han imbuido de la pasión por el arte.
"La danza de texturas, formas y colores me han impelido a incursionar en el desafiante y rico mundo de las artes plásticas. La pintura acrílica me permite emprender la azarosa construcción de una poesía visual. Cuando las palabras faltan, allí está el leguaje gestual de la Luz, con el que expreso la maravilla sentirme vivo".

Démarche

2011-06-02T21:35:00.000-07:00

See all my artworks on http://hector-gerardo-olivera.en.artelista.com

Démarche

Ma démarche est basé sur la recherche plastique en tant que tel; c'est-à-dire l'approfondissement des techniques et matières que je découvre. J'exerce la peinture en explorant une variété de sujets, en explorant surtout le médium acrylique sur différents supports qui constitue la majeure partie de ma production.

La résolution de problèmes d'ordre plastique sont un véhicule pour s'exprimer, et le travail sur la relations de couleurs voisins, la ligne, l'aplat, le clair-obscur, l'amalgame de textures, forment pour moi la partie prioritaire du processus de travail; ils sont pour moi si importants que le résultat final. J'aime me laisser surprendre par la couleur, la rencontre entre une certaine spontanéité et la maîtrise du geste.

J'accorde une grande importance au processus créateur dans ces étapes, c'est à dire: la gestation des idées, la recherche, le choix des supports, des médiums et l'exécution. Mes thèmes oscillent toujours autour d’une frontière réel/imaginaire.

La poésie, la musique et les images des personnages de tous les jours m'inspirent beaucoup surtout grâce à leur rythme. Le corps humain avec ses petits gestes rutilants me touche par l'équilibre et l'harmonie des formes, et je vois derrière tout cela, la touche magistral d'un design intelligent. Je souhaite, une lecture poétique de la part du spectateur qui l'amènera à s'approprier l'ouvre, visant à partager la joie et la force créatrice qui réside en chacun de nous.

2011-05-18T14:37:00.000-07:00

Né en Uruguay, Hector Olivera réside à Montréal depuis 2001. Il a fait des études en Arts à l’École Nationale des Beaux Arts de Montevideo,(www.enba.edu.uy). Il a également suivi des ateliers de l'artiste-peintre Anhelo Hernandez. Olivera prend ensuite des cours reliés aux Arts à l'Université de Montréal. Depuis 2003, il travaille comme animateur d'ateliers en dessin et en peinture.

http://hector-gerardo-olivera.artelista.com/es/

http://www.tcfrontenac.org

Hector Olivera en exposition collective - Altelier Art Bressan

2011-03-18T19:27:00.000-07:00

De retour pour une 8e année, la Nuit blanche à Montréal devient tradition !

2011-02-26T06:46:00.000-08:00

Le samedi 26 février, la nuit d’hiver la plus éclatée à Montréal envahira la ville et se déploiera dans trois quartiers et un pôle : Vieux-Montréal et Quais du Vieux-Port, Centre-ville et Quartier des spectacles,Plateau-Mont-Royal et Mile-End et le Pôle Maisonneuve !

Dans un Montréal givré, découvertes et expériences hors du commun vous séduiront tout au long de votre parcours. Profitez de la nuit pour faire un pied de nez à l’hiver : art visuel, danse, contes, expositions, cinéma, musique, sport, humour, théâtre et fantaisies sont au rendez-vous !

Animation: Emmanuelle Bressan et Hector Olivera

Le samedi 26 février prochain, on pourra ainsi découvrir la ville nocturne activités intérieures et extérieures, pour la plupart gratuites et réparties sur 3 quartiers et un pôle. Envie de danser, de monter sur scène, de chanter, de se baigner, de se faire raconter des histoires, de rire un bon coup, de se faire surprendre ou d’arpenter un Montréal souterrain devenu artistique ? La Nuit blanche à Montréal nous réserve tout ça encore plus, au point qu’on se souhaiterait une éclipse pour avoir le temps de tout faire !

La nuit à pied, en métro et en navettes gratuites

Exposition à venir, Vieux Montréal 2011- Artistes sélectionnés

2011-02-25T22:31:00.000-08:00

2011-02-09T21:14:00.000-08:00

Galerie Online

Exposition Collective du 6 juin au 3 juillet 2010

2011-02-03T20:53:00.000-08:00

Acrylique sur toile / titre: La Force d'aimer

See all my artworks on http://hector-gerardo-olivera.artelista.com

Nuances du Pays (Matices del país) Video

2011-01-21T18:20:00.000-08:00

2011-01-20T05:06:00.000-08:00

2011-01-20T05:05:00.000-08:00

2011-01-20T05:03:00.000-08:00

Ateliers pour adultes - dessin-peinture

2010-11-10T11:10:00.000-08:00

Le développement artistique occupe une place privilégiée dans le parcours des ateliers. Tout en s'appuyant sur des savoirs et des savoir-faire, sans négliger les savoir-être et savoir-devenir, il doit aussi, et peut-être surtout, permettre à l'etudiant de trouver la dimension du plaisir, notamment en y développant l'expression et l'imagination.

Prochaine exposition collective

2010-09-23T01:32:00.000-07:00

http://tracesmultiples.blogspot.com/

Exposition "Nuances du Pays"

2010-08-20T14:54:00.000-07:00

Exposición de pintura El artista plástico Héctor Olivera nos presenta "Matices del País"

Québec Noticias, Montreal. Entre los días 28 de agosto y 22 de septiembre de 2009, tendrá lugar la exposición de pintura denominada "Matices del País" del artista uruguayo Héctor Olivera. La muestra se presenta en la sala de exposiciones del Centro Cultural Simón Bolívar, ubicado en el 394 del Boulevard de Maisonneuve Oeste (metro Place-des-Arts, salida Bleury).

Héctor Olivera es originario de Uruguay y reside en Montreal desde el año 2001. Cursó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo y participó en talleres del artista plástico Anhelo Hernández. Olivera realizó una serie de cursos relacionados con el Arte en la Universidad de Montreal.

Desde el año 2003, Héctor Olivera es responsable de talleres de diseño y pintura. Obras suyas han participado en diversas exposiciones de Quebec. La exposición "Matices del País" está compuesta por

varias pinturas del artista, que presentan motivos paisajísticos camperos y costumbristas del Uruguay.

Fuente: www.quebecnoticias.ca

Exposition 17 octubre 2009

2010-02-24T17:15:00.000-08:00

photo des artistes présentes au vernissage

17 artistes du Collectif "Traces Multiples"

exposent au

Corridor d'Art Sylviane Poirier de la Cie F

Site Web: http://tracesmultiples.blogspot.com

WebTV-ART - Vidéos

2009-12-21T06:39:00.000-08:00

Photos - Souk 2009

2009-07-22T12:24:00.000-07:00

Pour voir l’affiche, cliquez ici >

SALON DES MÉTIERS D'ART VENDREDI 27 MARS DE 10H À 18H SAMEDI 28 MARS DE 12H À 18H AU CENTRE GABRIELLE-ROY 8699, Saint-Michel, MONTRÉAL

Exposition collective au "Corrid'Art Sylviane Poirier".

2009-06-23T13:40:00.000-07:00

Exposition collective au "Corrid'Art Sylviane Poirier". 20 Juin 2009 organisé par le Centre Culturel Maya

Exposition "Points de Vues" 2009

2009-06-23T04:50:00.000-07:00

Exposition de métiers d'arts le 17, 18 et 19 Juin 2009 au

Centre Yves-Thériault, organisé pour étudiants de francisation

et la direction du centre avec la participation des artistes du Souk Montréal.

Aérographie, Peinture en Aérosol, Photographie, Sculpture, Vitraux, Bijouterie, Maquillage professionel, Peinture Acrylique et à l'huile, Papier mâché .-

"Les métiers et la francisation"

Souk 2009

2009-05-21T08:46:00.000-07:00

SOUK, SALON DES MÉTIERS D'ART ET DE LA CULTURE DE SAINT-MICHEL

Montréal le 16 mars 2009- C’est avec plaisir que nous vous invitons à la 2e édition du SOUK, salon des métiers d’art et de la culture de Saint-Michel, un événement où vous pourrez découvrir les œuvres et les spectacles d’artistes issus des communautés culturelles qui peignent le visage de l’arrondissement Villeray – Saint-Michel – Parc-Extension. Le SOUK est une occasion d’échanger avec les artistes et artisans sur leur travail et participer à des petits ateliers artistiques. Ce sera également une occasion de sensibiliser la population à la lutte contre les préjugés et le racisme par le biais de la pièce « l’étudiant noir » de l’Alliance Théâtrale Haïtienne présentée vendredi le 27 mars à 11 h. Le comité SOUK du Club des partenaires Culture de Saint-Michel, vous convie au Centre Gabrielle-Roy pour venir admirer les œuvres et les spectacles de 40 artistes. Ceux-ci vous dévoileront la richesse de leur art: peinture, bijoux, vitrail, maquillage, sculpture, photographie, théâtre, musique, chanson, danse… En plus vous pourrez acheter des œuvres sur place. Les spectacles de musique, de danse et de chansons seront présentés le samedi seulement. Les artistes et artisans seront présents toute la journée et l’événement est gratuit. Offrez-vous un voyage culturel imprégné de la fusion des artistes venus de partout sans même quitter le quartier Saint-Michel ! C’est un rendez-vous: VENDREDI 27 MARS DE 10H À 18H SAMEDI 28 MARS DE 12H À 18H AU CENTRE GABRIELLE-ROY 8699, Saint-Michel, MONTRÉAL

CENTRE GABRIELLE-ROY, 8699, SAINT-MICHEL

"La peinture n'est pas universelle"

2009-05-20T18:41:00.000-07:00

Avec Anhelo Hernández

Rosario Peyrou

Une récente anthologie d' Anhelo Hernandez exposée au Musée National d'Arts Visuels, a approché au public un échantillon du vaste répertoire expressif et formel de cet artiste plastique de riche trajectoire . Portraits, dessins, peintures de grand format, séries de gravures, sculptures et art numérique ont donné témoignage de l'inquiétude créative toujours renouvelée de Hernández.

Né à Montevideo en 1922, a été un disciple hétérodoxe de Joaquin Torres García, consacré depuis le début à une recherche d'autres chemins, il s'est transformée un des plus grands graveurs qu'a eus le pays. S'il a été le picassien des artistes uruguayens, son travail est, comme celui du malaguène, aussi attentif comme fortement critique du monde et de la culture. Ses séries de gravures sur la violence - ce qui est caudillos, le massacre des charrúas, la conquête du Mexique, la torture coexistent avec les motifs mythiques et fabuleux, l'érotisme ou de citations littéraires et picturaux.

Comme plusieurs d'autres intellectuels Anhelo Hernández a dû être exilée pendant la dictature militaire. À travers l'ambassade du Mexique, en 1976 prend asile dans ce pays avec son conjoint, Ida Holz, et ses fils. Là il a travaillé comme illustrateur et dessinateur graphique, il a été professeur Superior de l'École Nationale d'Arts Plastiques et a exposé son oeuvre dans les principales salles de la capital mexicaine. En 1987 a été le premier artiste latino-americain vivant invité à effectuer une exposition individuelle au Musée National de Beaux Arts du Mexique D.F. de retour à l'Uruguay il travail comme enseignant de

l'Atelier de libre Orientation Esthétique de l'École Nationale de Beaux Arts et depuis lors a alterné ses expositions à l'intérieur et hors du pays, tandis qu'il découvre et développe une nouvelle forme d'expression : l'estampe numérique, où il a obtenu une maîtrise particulière. En 2003 il a reçu le Prix Figari, il a été déclaré citoyen illustre de la Ville de Montevideo en 2005 et en 2009 il a reçu le Prix Morosoli d'Or. Il est décédé le 11 mars 2010.

Una reciente exposición antológica de Anhelo Hernández en el Museo Nacional de Artes Visuales, acercó al público una muestra del amplio repertorio expresivo y formal de este artista plástico de rica trayectoria. Retratos, dibujos, pinturas de gran formato, series de grabados, esculturas y arte digital dieron testimonio de la inquietud creativa siempre renovada de Hernández. Nacido en Montevideo en 1922, fue un discípulo heterodoxo de Joaquín Torres García, abocado desde el inicio a una búsqueda que lo llevó, entre otros caminos, a convertirse en uno de los mayores grabadores que ha tenido el país. Si ha sido el más picassiano de los artistas uruguayos, su obra es, como la del malagueño, tan atenta a lo formal como fuertemente crítica del mundo y la cultura. Sus series de grabados sobre la violencia -los caudillos, la masacre de los charrúas, la conquista de México, la tortura- conviven con los motivos míticos y fabulosos, el erotismo o las citas literarias y pictóricas. Como varios otros intelectuales Anhelo Hernández debió exiliarse durante la dictadura militar. A través de la embajada de México, en 1976 se asiló en ese país con su esposa, Ida Holz, y sus hijos. Allí trabajó como ilustrador y diseñador gráfico, fue profesor de posgrado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y expuso su obra en las principales salas de la capital mexicana. En 1987 fue el primer artista latinoamericano vivo invitado a realizar una exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes de México D.F. De regreso al Uruguay ingresó como docente del Taller de Libre Orientación de Estética de la Escuela Nacional de Bellas Artes y desde entonces ha alternado sus exposiciones dentro y fuera del país, mientras descubre y desarrolla una nueva forma de expresión: la estampa digital, donde ha logrado una maestría inconfundible. En 2003 recibió el Premio Figari.

EL ARTISTA ADOLESCENTE.

-Tu padre debió ser anarquista. Digo, porque los anarquistas suelen ponerle a sus hijos nombres "con argumento".

-Sí, claro. Mi padre era español, de origen canario. Hijo natural de un señor que se llamaba Mesa y una señora que se llamaba

Hernández, con la cual Mesa se desposó después de haber concebido a mi padre. Curiosamente nunca lo reconoció... Por eso soy Hernández y no Mesa. Mi padre había sido Maestro de Primeras Letras en España. Resolvió emigrar porque lo querían obligar a hacer el servicio militar. Pensaba irse a Cuba, pero no había barco en ese momento. El primer barco salía para acá. Llegó con una disentería, una de esas enfermedades que se agarraban en los barcos.

Siempre contaba que le dio al changador del puerto el único peso que tenía. Pero acá la colonia canaria lo recibió y lo ayudó.

-Tu madre, en cambio era de ascendencia criolla.

-Mi madre es hija de María Ríos, que según dicen vivía detrás de las tolderías del cacique Catriel, en la provincia de Buenos Aires. Catriel era un cacique no solo relevante para su tribu, sino para una vasta zona de la Pampa. Eran los indios que hacían los grandes robos de ganado, y por ellos se construyó la famosa zanja (de Alsina) que separaba a las poblaciones del desierto.

-¿Eso quiere decir que tu madre tenía ascendencia indígena?

-No lo sé. Pero mi abuela tenía una nariz de doble ancho, por lo que tiene que haber tenido un cruce indígena. Vivió 112 años. Yo me jactaría de eso si no fuera porque mi madre murió a los 45.

-¿De dónde viene el interés por el arte en tu infancia?

-En casa no había interés por el arte. Mi padre, que trabajaba como contable, nos mandó a la escuela Elbio Fernández, por ser atea y avanzada en aquel momento. Había conseguido que en el Elbio nos hicieran una rebaja por ser tres hermanos. Era un colegio con una cantidad de prohombres. A Michelini, por ejemplo, lo conocí allí. Pero había una separación de clases muy nítida: sólo una vez fui a un cumpleaños de un compañero de clase.

En la escuela dibujaba, sí, pero no más que otros niños. El reconocimiento "social" como dibujante fue muy tardío, debe haber sido a los 14 o 15 años. Hicimos unos dibujos con el hijo de mi padrino (aunque la familia era laica, teníamos padrinos), y mi padrino se los mostró a mi padre. Qué lindo, dijo, ¿es de Mario? No, no, es de tu hijo. Y mi padre se sorprendió porque no sabía que yo dibujaba.

Mi padre era empleado de una firma de arquitectos, en un momento en que la arquitectura uruguaya decoraba los frentes con esculturas, y en esa empresa trabajaban con el escultor Alberto Savio. Este Savio era un señor escultor, que tenía naipe como para ser un artista importante en cualquier parte del mundo. Pero no quería exponer y nunca expuso, y lamentablemente tampoco lo hizo su familia después que murió. La suya no es una obra muy numerosa porque era un hombre de una exigencia terrible.

Yo hasta ese momento pintaba por mi cuenta. Mi hermano mayor hacía unos retratos en carbonilla. En competencia, yo los hacía también, pero para superar a mi hermano mayor seguí con la pintura. Llegué a tapar las paredes de mi dormitorio con dibujos y hasta me lancé a hacer un Descenso de la Cruz enorme. En realidad la única relación que tenía con las artes plásticas eran las reproducciones que había en El Tesoro de la Juventud y en un libro de griegos y romanos que tenía mi padre.

-Me llama la atención el peso que tuvo El Tesoro de la Juventud en la educación uruguaya de esa época.

-Ah, sí, yo me acuerdo de lo que le dedicaba a Leonardo, a Rafael. A mí me fascinaba. De niño quería ser artista, para ser reconocido como esos grandes (se ríe). Hay un condottiero imaginario hecho por Leonardo, con un gran casco, que yo copiaba y copiaba, lo hice muchas veces. Esa era mi formación: absolutamente autónoma. Mi amor por los griegos nace de ese libro que todavía tengo.

Después conseguí óleos y me estaba haciendo un autorretrato super académico cuando mi padre me puso en contacto con Savio, a quien conocía por su trabajo. Savio me cortó el chorro. El primer día me puso pluma, tinta china y tres manzanas. Era dificilísimo porque no podías borrar. Una tensión terrible para mí, que nunca había trabajado con tinta. Así empecé. Cuando tenía 18 años, en el grupo de Savio me hicieron mandar un par de retratos al Salón Municipal. Total que Romero Brest destacó mi dibujo y yo quedé orgullosísimo. Como era tan jovencito, creo que por piedad, los escultores de ese grupo elogiaban mi dibujo.

-¿Hiciste escultura con Savio?

-Sí, y todo se perdió. No queda nada. Hasta había llegado a vender una escultura; al padre de un compañero, que me pagó siete pesos por un desnudo. Fijate vos, yo era pintor, pero como mi papá me consiguió un escultor, entonces hacía escultura (risas).

EL TALLER TORRES GARCÍA.

-¿Cuándo entrás en contacto con el taller Torres?

-Bueno, en Preparatorios de Arquitectura se da una coincidencia asombrosa. En mi clase estaban Jonio Montiel, Gonzalo Fonseca, Edgardo Oribe (hijo de Emilio Oribe), un sobrino de Frangella, una muchacha que también pintaba, y el poeta Sarandy Cabrera.

Finalmente Fonseca, Montiel, Edgardo Oribe y yo dejamos arquitectura. Jonio y Fonseca entran al taller, pero yo, como me creía escultor, tardé un poco más. Jonio, con todo su talento plástico, había perdido sin embargo el examen de modelado y entonces lo llevé con Savio. Con la experiencia de Savio, entre los chiquilines yo era Tarzán, imaginate.

Finalmente, en 1943 llegué al taller a través de Fonseca y Montiel. Un día le llevé al Viejo Torres una carpeta de dibujos. Nunca me voy a olvidar de ese día. Manolita me abrió la puerta, y me hizo pasar a una salita decorada con las cosas de Torres y de algunos de los pintores españoles de su grupo. En eso llega Matto con dos cuadros y entra al taller antes que yo. Cuando por fin pasé, le empiezo a mostrar cosas, y el Viejo iba diciendo "Bastante bien, bastante bien....", y agregó: "para no ser del Taller".

Yo hacía cosas abstractas, ya, porque conocía la movida de los franceses. Savio se había educado con Bourdelle, que a su vez fue un discípulo de Rodin. La cosa era Rodin, Bourdelle, Savio y yo, mirá qué genealogía (Anhelo se ríe). En cambio Torres me manda a ver lo que hacía Horacio, su hijo. Horacio estaba haciendo unos retratos muy cuidados, de niñas de societé, que los hacía muy bien. O sea que me mandó al grado 0, a mí que creía que ya estaba en otra.

Entré al Taller. En la primera reunión expulsan a uno por haber mandado una obra al Salón sin autorización. Un fusilamiento. Era un poco intimidante.

-Poco después te vas a Tacuarembó...

-Sí, al mismo tiempo que entro al Taller gano el concurso de Secundaria para dar clases en Tacuarembó. Entonces cada vez que venía a Montevideo traía un paquete de dibujos para que los viera Torres. Además entre Marta (Valentini, que sería su primera esposa) y Sarandy Cabrera, me escribían los comentarios que el Viejo hacía. Por eso tuve, durante mucho tiempo, dibujos del Viejo corrigiendo los míos. Cuando la huida a México perdí todo eso. A veces Torres me marcaba con estrellitas, como hacen en las carteleras de cine.

Yo no estaba en el equipo de los tradicionales (Fonseca, Matto, etc.) porque vivía en Tacuarembó. En una vuelta vengo de Tacuarembó con un paquetón, lleno de orgullo. El Viejo me los hace desplegar, y le dice a Augusto "¿cuál de éstos es el mejor?" (imita el acento español de Torres). Augusto mudo; Fonseca callado, tras su cigarrito. Nadie dijo ni pío. "Y ¿qué dices?", insiste el Viejo. "A mí me parece que éste, padre", contesta finalmente Augusto. "No ése, no, por esto y esto, ése es el bueno". Claro, tratar de entender al Viejo a distancia, no era lo mismo, no te daba soluciones. Yo no podía apoyarme en los otros, tenía que hacer lo mío. Entonces hacía cosas según las instrucciones me daban a entender. Creo que eso fue muy bueno. Con el tiempo he añorado Tacuarembó, porque ahí daba tres días de clase, de mañana y de tarde, y me quedaban cuatro días para mí. Y en Tacuarembó los días eran larguísimos. Pintaba y dibujaba como loco. Pobre Marta, creo que una de las razones por las que se divorció de mí fue porque la exploté en esos tiempos. Es que el artista es un bicho egoísta, se cree que la genialidad pasa por el sacrificio... de los otros.

-¿Y a grabar aprendiste en el Taller?

-En el Taller hice grabado, pero no aprendí allí. Había aprendido solo, probando. Y luego fui alumno de Adolfo Pastor y de María Carmen Portela. En el taller hice las xilografías con las que decoré los primeros libros de Sarandy Cabrera (Onfalo y De nacer y morir). Al Viejo Torres le gustaba el desparpajo con que yo grababa. De todas maneras en el taller no lo hacía en metal, sino en linóleo. Al Viejo le gustaban también las esculturas. Tuvo durante años en su casa la única arenisca que hice en mi vida. No hice más porque dan un trabajo... lo había aprendido con Savio.

En el 48, con el cáncer ya avanzado, Torres invita a los alumnos a pintar en su casa, en Punta Gorda. Empezamos unos cuantos y terminamos tres: Augusto, Elsa Andrada y yo, pintando en el sótano. Aunque Torres ya tenía dificultades para moverse, bajaba la escalera agarrándose de la pared para ir a corregirnos. Nos daba unas palizas...

EL BAUTISMO EUROPEO.

-¿Saliste del Taller después de la muerte de Torres?

-Sí. Hice una declaración hispana: "Nunca más he de servir maestro" (Anhelo enfatiza con el brazo y se ríe). Yo sentía una carencia importante. En esa época si no ibas a Europa no eras nadie, y en parte era cierto. Yo nací en el Barrio Reus. Nunca había ido a Europa. El contacto con los maestros había sido en El Tesoro de la Juventud, no tenía otra formación visual, en cambio Matto y Fonseca habían viajado. Matto había recorrido América. Cuando yo estaba en Tacuarembó me habían convidado para ir con el grupo de Montiel, Alpuy, Augusto y Fonseca a Bolivia y Perú, pero no pude porque estaba casado y acababa de entrar a Secundaria.

De modo que en 1949 me fui a Europa. Había ganado el segundo premio del concurso de la UTE (cosa que me vino bárbaro porque no tuve que hacer nada, en cambio Jonio, que ganó el primero, tuvo que quedarse a hacer la obra). Con eso y la herencia que mi padre nos había dado en vida, junté como quince mil pesos que era una cantidad grande. Le dejé siete a Marta, que acababa de tener a Moriana, y me fui a Europa. Fui a Nápoles, Roma, Orvieto, Florencia. En Florencia me llega un telegrama: "Llegamos tal día con Augusto y Elsa. Marta". Era al día siguiente. Me fui a Génova a esperarlos y los pasée por Italia, ya me sentía un experto. Estuvimos siete meses en Italia.

La primera vez que fui a un museo no pasé de la primera sala. Estaba frente a un Brueghel, por ejemplo. Miro y no entiendo nada. Todo lo que sabía del taller Torres no me servía para nada. Volví desazonado: no entendía cómo estaban hechos. Yo salía a la búsqueda de la estructura. Claro, eran otros sistemas que el Viejo Torres no enseñaba. De noche lloraba de bronca, porque no podía entender. Al otro día me dije "no me voy de esta sala hasta que entienda". Empecé a comparar las cosas, y ahí empecé a rascar algo con la uña, y progresivamente fui entendiendo más. Hasta que uno llega a la conclusión de que el viejo maestro le había enseñado una concepción de la pintura, su concepción. Pero no la única. Cosa que algunos todavía no han digerido.

-Justamente tú has sido de los que pudieron salir de la órbita de Torres para buscar su propio camino. Pero esa pregunta que te hacías era pertinente. Si no hubieras pasado por el Taller, ¿te la habrías hecho?

-Sí, claro. Yo me preguntaba por qué éste es bueno y éste no es tan bueno. Me fui de Montevideo con una admiración irrestricta por Luca Signorelli, uno de los que introduce la perspectiva, un sistemático. El Viejo nos había enseñado alguna cosa de la perspectiva, tal vez por eso. Llego a Italia y me paso de Luca Signorelli a Tintoretto, a Tiziano. Es una cosa que no estaba en el taller. Cuando llegó Augusto fuimos a ver el retrato del Papa Inocencio de Velázquez. Había también un retrato de Rafael que es una maravilla, pero de una frialdad... Y Augusto decía "ése está bien, pero le falta pimienta". En cambio Velázquez sí que tenía pimienta. Es importante saber que podés admirar algo pero también no quererlo, como ese Rafael, que está maravillosamente hecho, pero me dejaba frío.

-Velázquez es una alusión recurrente en tu obra.

-Sí, me asombra la racionalidad de Velázquez. Un tipo de un oficio racionalizado y cumplido cien por ciento. Experimenta todo el tiempo: las lanzas, los Borrachos, las Meninas, las Hilanderas, están hechos de una manera totalmente distinta. Es una máquina arrolladora. Va agarrando los problemas y los va triturando y pasando a otro y a otro. Es lo mismo que la gente no suele ver en Picasso: que es un tipo racional, no un pasional. Hace poco me invitaron a una mesa redonda de psicoanalistas sobre creatividad, y yo me llevé fragmentos de la película de Renoir sobre Picasso, para mostrar que lo que parece creatividad allí, no lo es. Son variaciones de cosas que tiene muy traqueteadas, las palomas, por ejemplo, que las hace dormido. Y en el único momento en que fracasa, ese momento en que borra el paisaje de Niza que ha hecho y rehecho frente a la cámara sin terminar de convencerse, ahí sí. Hace cosas maravillosas, y borra y empieza otra vez. Es porque se planteó un problema y se empecina en resolverlo. Otros se salen de la dificultad, alteran algo y anulan el problema. Él, no, y ahí es el momento en que muestra de verdad su creatividad. Cuando se pone como loco a buscar otras soluciones.

EL ARTE ES ESENCIALMENTE IMPURO.

-¿A tu vuelta de Europa sentís que te estás alejando de la normativa del Taller?

-No es apartarme, sino entender el Taller como una forma de resolver la pintura, pero no la única. A mí me parece que el Taller en muchos de sus participantes hizo academia, hizo una repetición de la lección de Torres. A la muerte de Torres se preguntaron qué hacían, e hicieron eso; y fue una solución totalmente académica. Tiene su lógica, y especialmente en el Uruguay, donde no había otras cosas. Porque cuando vas a Europa tenés infinitas propuestas distintas. Torres lo sabía. Decía de Rembrandt: "es un santo pero no de mi devoción". Es que hay un santoral gigantesco: simplemente uno puede sentirse más afín a algunos; me siento más afín a Velázquez, a Goya, a Picasso.

Es que yo no puedo conciliar con el universalismo de la pintura. La pintura no es universal. No creo en esa concepción que ve a la pintura como una sola cosa que se mantiene a través de los siglos. Es así si vos previamente has reducido la pintura a un solo aspecto, por ejemplo, a lo formal. Si lo hacés, ves que ciertas claves permanecen largos períodos, pero no todos.

-Justamente se ha dicho que desde Duchamp, se inicia algo diferente, eso que suele llamarse arte contemporáneo, que se pone fuera de la tradición, no es la pintura sino otra cosa. ¿Qué pensás?

-Esto de seguir la tradición da la idea de que hay que seguir con la pintura. Y yo creo que el arte es esencialmente impuro, está profundamente contaminado por todo. Y hay cosas que alimentan el cambio, que no son estrictamente la pintura, que son exteriores a la pintura, pero que tocan a la pintura en cosas sustanciales. Torres creía en Platón, en esa especie de pirámide ideológica que termina en Dios. Yo soy heraclitano: para mí todo es cambio. Y la pintura es la presentación de lo contradictorio: lo contradictorio es inherente a la cosa. El cambio está en la cosa misma. ¿Cómo se hace para representar lo contradictorio? Estoy convencido de que a instancias del desarrollo de la ciencia, el arte buscó un purismo, depurar sus medios, ver lo que era no contaminado, es decir la línea, el punto, el plano. Eso no pertenece a ninguna otra área más que a la de la pintura. Ahí estaría el arte. Macanas. Si ponés color, la línea se te va. Si cambiás cualquier factor, todo se te va. En cierto modo parecería que estoy dando un salto para atrás, que estoy admitiendo el relato. No, no admito el relato, porque no hay relato. El relato se lo arma uno, la escena de un cuadro es parte de un relato, sí, siempre que el espectador conozca el relato. Quiero decir que el tiempo del relato no es el tiempo de la pintura.

-De modo que no estás de acuerdo con que, como dice Danto, estemos frente al fin del arte. O con la afirmación de que la historia de la pintura culminó con las vanguardias del siglo XX.

-Y el Viejo Torres, ¿es la pintura? ¿O es un arte de signos? Porque si ésa es la pintura, Rembrandt no es la pintura.

-Pero pertenecen a la misma disciplina. Una instalación, no.

-No, pero ¿por qué las cosas han de pertenecer a una sola disciplina? Yo creo que el hombre tiene que desplegarse en toda su variedad, y me parece estúpido recortarlo con definiciones predeterminadas. La discusión no me interesa.

Estoy embroncado con los críticos, con los curadores... ¿Qué puede saber, por más que te estudie, un sujeto que no te conoce? Difícilmente uno se arrima a sí mismo, y viene uno y en dos o tres meses pretende revelarte... Tiene más sentido cuando son varios, y entra a jugar la diversidad.

Puedo entender que haya un estudioso que pueda decir "para mí Anhelo es esto, pero esta es mi visión, no es la obra". Hay gente que elabora cosas y no sabe cómo decirlas, y el curador o el crítico cree poder decirlas. Por eso pueden decir el disparate de que algo se terminó, ¿quién dijo que se terminó? Nadie puede decir ni siquiera que empezó. El ser del hombre es tan múltiple, tan impredecible, no se puede adivinar el mañana en el pasado. No podés arrogarte la osadía de decir "señores, no sigan por ahí porque se terminó". ¿Cómo puede decirse que se terminó lo desconocido? Hablan de la creación, pero la creación es la entrada en lo desconocido. ¿Y vos podés prever que lo desconocido no te transforme?

-Tu obra desde el inicio tendió a la figuración. Siempre hay en ella una referencia ya sea cultural o histórica.

-Ah, sí. A mí siempre me llamaron la atención los impresionistas, todos mirando el paisaje y al lado suyo tenían la guerra. Huyeron a sus pueblitos y se quedaron ahí encerrados para que no los reclutaran. El arte no puede estar de espaldas al mundo.

Cuando yo hago esas cosas medio sociales, sé que estoy incurriendo en algo desdeñado por el arte moderno. Cuando pinto a Las Meninas (Imago Mundi) lo hago para rescatar el carácter de servidoras que tenían, y pongo atrás a una serie de figuras negras entre las que está Velázquez, que aunque siempre quiso ser un caballero, era parte de la servidumbre. Es la necesidad de resolver de algún modo una cosa que viene de la persona más que del pintor, porque hay que ser persona antes de ser pintor. Pero a la vez me planteo un problema formal, el problema del color y el no color: ¿cómo lo resuelvo? Te fijaste que en el cuadro yo no puse a la princesa. Y atrás está toda la servidumbre, y de un lado a Velázquez que no pinta y a Cézanne que sí pinta. Yo he tenido muchas dudas -todavía las tengo-, sobre el papel social del pintor. Pero a la vez, no estoy de acuerdo con eso que dijo alguna vez Torres: "o el arte o el mundo". Eso es un disparate, gran parte del arte de todos los tiempos quedaría afuera entonces.

México y los huicholes.

-¿Qué le aportó México a tu pintura?

-México me obliga a tirarme al agua en campos en los que yo no tenía experiencia: la ilustración, el diseño gráfico. Había hecho algunas tentativas de ilustración de textos periodísticos. Pero en México, como tengo que vivir, estoy obligado a cambiar de caballo todos los días. Tengo que ilustrar portadas de libros o artículos de prensa, cosas siempre diferentes. Es una gimnasia que para mí fue muy buena.

Hay cosas de México que me interesaron profundamente. Más que los maestros mexicanos, lo que más me interesó fue la forma de poner el color de los indios huicholes. Los huicholes deben haber sido de las últimas etnias que resistieron la civilización que venía de afuera. Ver un huichol caminando por la ciudad de México era un espectáculo. El tipo vestido de blanco con su pantalón a media pierna, su sombrero con cintas de colores, y la carterita con su decoración, sin mirar a nadie. Era la irrupción de otra forma de civilización. Ellos pegaban con miel, contra la piedra, hebras de lana de colores, teñidas por ellos, con un sistema de prueba y error que los lleva a la más avanzada teoría de los colores. Dan con soluciones que en Europa no se han dado. Hay que recordar lo que la pintura francesa descubre en Marruecos, Matisse por ejemplo. Fijate que en cambio el Viejo Torres, para neutralizar el efecto del color pone la línea negra, cosa que un color no invada al otro. Es la antítesis de la teoría del color. Torres rechaza la interacción del color. Los huicholes eso se lo sabían de memoria. De una manera primitiva hacían cosas maravillosas.

Se dice que ahora tengo más color, pero simultáneamente estoy trabajando con menos color. El retrato de Barrán está pintado con dos azules, un rojo y blanco. No tiene ni un amarillo. Todo es la interacción de los colores.

-En tu último período has trabajado en arte digital. ¿Cómo fue la experiencia?

-Yo empecé a hacer lo digital para no ser menos que mis alumnos (se ríe). Hay gente que dice: "Ah esto no es la pintura"... Claro que no es la pintura. Pero fijate que las armaduras de la Edad Media, se hacían incidiendo con una punta sobre el metal: cuando viene el primero que se le ocurre usar una capa de resina deben haber pegado un grito como el que pegan ahora. Es lo mismo. Se aprovecha una nueva técnica, nada más. Con el aguafuerte, por ejemplo hay una serie de recetas sobre cómo debe rayarse, yo en determinado momento quería conseguir un efecto y me daba lo mismo hacerlo por los medios normales del oficio o por otros. Algunos negros los hice con un taladro y una piedra esmeril y con eso grababa. Quiero decir que no hay limitaciones. En cualquier actividad humana cuando aparecen los medios se puede seguir avanzando.

Fuente: El País Digital

Hommage à Mario Benedetti

2009-05-16T17:38:00.000-07:00

Jour de deuil en Uruguay en

hommage à Mario Benedetti

18 Mai 2009

MONTEVIDEO (AFP) — L'Uruguay a rendu lundi un dernier hommage à l'une de ses plumes les plus illustres, Mario Benedetti, grande figure de la gauche et la littérature en Amérique latine, disparu la veille à l'âge de 88 ans.

Un jour de deuil national a été décrété lundi en mémoire de l'écrivain, dont la dépouille a été exposée dans le "Salon des pas perdus" du Palais législatif de Montevideo, siège du Congrès, avant de rejoindre mardi le Panthéon national.

Décédé dans son sommeil des suites d'une hémorragie intestinale, Mario Benedetti laisse en héritage une oeuvre prolifique et traduite dans le monde entier de plus de 80 recueils de poèmes, de romans, de nouvelles, d'essais et de pièces de théâtre.

"L'écrivain infatigable", titre lundi El Pais, le principal quotidien uruguayen.

Ancien modeste employé, il a notamment décrit les rouages de l'administration, la principale industrie de ce petit pays sud-américain de trois millions d'habitants, enclavé entre l'Argentine et le Brésil.

"L'Uruguay est le seul bureau dans le monde qui se soit haussé au rang de République", aimait-il observer.

Ses oeuvres principales, le recueil de poèmes "Inventaire" ou les romans "L'anniversaire de Juan Angel", "Printemps dans un miroir brisé", "Echafaudages" mettent en scène la classe moyenne et la bureaucratie, avec ses touches de nostalgie et d'absurde.

"C'est quand on croit posséder toutes les réponses, qu'on s'aperçoit qu'on a changé les questions", plaisantait-il.

L'un de ses romans les plus célèbres "La Trêve" raconte une brève histoire d'amour entre une jeune employée de bureau et son supérieur, à la veille de la retraite. Tiré du roman, un long-métrage fut sélectionné aux Oscars en 1975 dans la catégorie du meilleur film étranger.

Mais l'engagement politique de Benedetti, admirateur de la révolution cubaine dans les années 60, l'arrachera, au sens propre comme au figuré, aux frontières de son pays.

Après la victoire de Fidel Castro dans l'île des Caraïbes, l'écrivain viendra en 1968 à La Havane prendre les rênes du Centre de recherches littéraires de la "Casa de Las Americas", poumon culturel de la gauche radicale latino-américaine.

Cofondateur du "Mouvement du 26 mars", il participe en 1971 à la naissance du "Frente Amplio" (le Front élargi) et rejoint le bureau exécutif de cette coalition de gauche, qui prendra le pouvoir en 2005 en Uruguay avec Tabaré Vazquez, le premier président progressiste de son histoire.

La dictature militaire au pouvoir de 1973 à 1985 dans le pays, l'a contraint comme de nombreux artistes à des années d'exil, en Argentine, au Pérou, à Cuba et en Espagne. Son livre "Avec et sans nostalgie", publié en 1982, a pour thème la résistance de la population contre la junte.

Né le 14 décembre 1920 à Paso de los Toros, dans le nord de l'Uruguay, Mario Benedetti a reçu de nombreux prix littéraires dont le Prix international Menendez Pelayo, le Prix Reina Sofia de Poésie ou le Prix ibéroaméricain José Marti.

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Exposición Antológica (1948-2008)

2009-04-04T16:16:00.000-07:00

ANHELO HERNÁNDEZ

Exposición Antológica (1948-2008)

Pinturas, Grabados y Arte Digital

Muestra antológica que reúne aproximadamente medio centenar de obras del gran artista uruguayo Anhelo Hernández, con curaduría y diseño de montaje a cargo de María Isabel de Larrañaga y Alberto Petrina.

Anhelo Hernández (1922) ha conciliado su sólida formación artística con la libertad formal necesaria para expresar motivaciones de tipo social y político. Su labor intelectual y docente le ha permitido conservar una postura indagatoria en los recursos técnicos y una actitud de vigilia autocrítica a la hora de fundamentar sus opciones estéticas. Se ha dedicado de modo continuo a la pintura, pero también ensayó el grabado en linóleo y madera, para luego experimentar la técnica litográfica sobre chapa de zinc. Más tarde incorporó a estos procedimientos la imagen fotográfica, y poco después volcó su destreza de dibujante a la técnica del aguafuerte y al trabajo con imágenes en matriz digital.

Su categoría artística y su extensa trayectoria fueron reconocidas con holgura en toda América, así como en Barcelona, Moscú y Pekín. "Hernández viene a inscribirse naturalmente dentro de la más alta tradición del arte moderno americano y, por lo mismo, se ubica con perfecta naturalidad en el marco de nuestro propio y espléndido acervo patrimonial. Su obra nos enfrenta a espejos que, junto a las cifras diáfanas de la armonía y la belleza, no dejan de convocar los reflejos siniestros de la abyección que compartieron nuestras sociedades bajo las ominosas dictaduras de los años 70", destaca la Directora del Museo Sívori, arquitecta María Isabel de Larrañaga.

Formado en el mítico taller de Joaquín Torres García -y destacado integrante de la prestigiosa escuela uruguaya-, Hernández exhibe además influjos de Picasso, Matisse y la escultura precolombina. El arquitecto Alberto Petrina lo define como "un artista de verdadero linaje americano, en quien ciertas huellas de las corrientes modernas europeas -a las que se impone una visible empatía con la grandeza tenebrosa de la escuela española- se suman a los asuntos dictados por el horizonte cultural de su tierra natal y de su tiempo". Y agrega: "En el inmenso fresco que compone su obra polifónica, Anhelo Hernández tiende puentes secretos entre los planetas de Ptolomeo, el Siglo de Oro y la tumultuosa, feroz historia de nuestras 'crueles provincias': una fantástica red de nuevos mitos, en la que unas hieráticas meninas son inesperadamente escoltadas por centauros charrúas y caudillos sueltos como el viento. Y siempre, y además, la ardiente persistencia de la carne, desde el trémulo abrazo de 'El pecado' hasta la atroz memoria que serpentea en la 'Tortura a Jaime Pérez'.

Cierre: domingo 7 de junio.

Las muestras pueden visitarse los días martes a viernes de 12:00 a 20:00; sábados, domingos y feriados de 10:00 a 20:00. Lunes cerrado al público.

Musée Virtuel d'Art Uruguay

2009-03-27T07:36:00.000-07:00

http://muva.elpais.com.u y

ARTE DIGITAL

Exposants Souk 2009

2009-03-26T18:00:00.000-07:00

Solidarythmé - Peinture en direct 2009

2009-03-22T16:57:00.000-07:00

SOLIDARYTHMÉ 2009

2009-03-21T08:51:00.000-07:00

solidarythme.pdf

Vendredi 20 mars 2009 - Théâtre Plaza (6505 St Hubert) 19h

SOLIDARYTHMÉ : Cabaret d’actions artistico-critiques sera le grand événement de clôture de la 10e édition de la Semaine d’actions contre le racisme. Il proposera une plateforme originale de réflexion sur les discriminations, à travers les arts et l'interactivité.

Une trentaine de musiciens, circassiens, peintres, comédiens, danseurs se partageront la scène pour offrir un véritable coup de soleil engagé à cet hiver blanc.

Après une tournée autour du monde avec le Cirque du Soleil, les québégalais et mythiques Frères Diouf (Hadji et Karim), percussionnistes talentueux, anciens membres des Colocs et récipiendaires du Prix Étoiles Galaxie remis par Radio-Canada, proposent un tout nouveau spectacle aux rythmes et sonorités irrésistibles. Après avoir vendu plus de 40,000 copies de son premier album concocté avec son frère Fred Pellerin et qui leur a valu le prix du meilleur album traditionnel de l'année à l'ADISQ, Nicolas Pellerin se produira cette fois-ci en trio, avec de nouvelles chansons. Toujours inspirée par les musiques du monde, la chanteuse Doriane Fabreg (l’Ex Doba de Dobacaracol), interprétera ses textes avec sa toute nouvelle formation. Le sculpteur Armand Vaillancourt, artiste fidèle de Solidarythmé, exposera quant à lui, une œuvre gigantesque, transfigurant la salle de son art.

Le Cabaret d’actions artistico-critiques offrira également un espace innovateur de réflexion créative, orchestrée par le collectif d’artistes CréArt qui rythmera la soirée, combinant musique, danse et arts du cirque. La Brigade d'Actions Ludiques (groupe de citoyens assurant l’interactivité de l’événement) invitera le public à porter un regard critique sur la société d’aujourd’hui et à participer à une réflexion active sur les formes de discrimination. Du théâtre d’intervention et des kiosques interactifs ponctueront la soirée.

Dès 17 h, un Forum d’expression dévoilera les conclusions des réflexions des jeunes participants qui se sont réunis du 12 au 20 mars lors d’un Atelier International sur les Discriminations et les Inégalités (plus spécifiquement sur les rapports entre les jeunes des minorités, la police et le système de justice.) . Les citoyens sont invités à s'exprimer sur la problématique abordée.

L'imagerie RMN miniaturisée

2009-03-18T17:51:00.000-07:00

Pour la Science N°378 - avril 2009

SYNTHESE

TECHNOLOGIE

L'imagerie RMN miniaturisée

On dispose désormais d'appareils portables pour explorer, par résonance magnétique nucléaire, la composition chimique et la structure de produits industriels, de tissus biologiques et d'œuvres d'art.

Bernhard Blümich

Depuis des années, les médecins et les scientifiques souhaitent disposer de systèmes d'imagerie portables, utilisables hors du laboratoire pour toutes sortes d'applications. Pensez à l'intérêt vital qu'aurait un appareil capable de repérer la localisation d'une attaque cérébrale là où la victime se trouverait, ou bien dans l'ambulance la conduisant à l'hôpital. Imaginez un spectroscope miniaturisé qui discernerait la composition chimique d'un produit de nature inconnue ou celle des pigments d'un tableau ancien...

En 1993, avec Peter Blümler, nous avons effectué les tout premiers pas vers la réalisation d'un dispositif portable de résonance magnétique nucléaire (RMN), à l'Institut Max Planck de recherche sur les polymères, à Mayence, en Allemagne. La RMN est une technique très utilisée pour caractériser la composition chimique et la structure des matériaux, ainsi que celles des protéines et d'autres biomolécules. Nos travaux ont donné naissance à un petit appareil permettant d'analyser des matériaux sur place. Dès lors, d'autres chercheurs travaillant dans le domaine de la « RMN portable » ont poursuivi notre approche initiale et celle d'autres chercheurs pour mettre au point diverses techniques apparentées.

La spectroscopie RMN classique, à haute résolution, est réalisée en plaçant l'échantillon à l'intérieur d'un énorme aimant. Celui-ci produit un champ magnétique très intense, homogène et stable dans le temps. La technique exploite le fait que certains noyaux atomiques possèdent un moment cinétique intrinsèque, le spin. Lorsqu'ils sont plongés dans un champ magnétique, les moments magnétiques associés aux spins se comportent comme des microboussoles et s'orientent...

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Le Louvre en Uruguay

2009-03-04T10:43:00.000-08:00

Les chefs-d’œuvre du musée du Louvre exposés à la plage

MONTEVIDEO (URUGUAY)– Des reproductions en haute résolution de 122 chefs-d'œuvre du musée du Louvre sont exposées dans une plage à Montevideo.

Les chefs-d’œuvre des musées européens se déplacent difficilement en Amérique Latine et rares sont les personnes fortunées qui peuvent se rendre sur place pour les contempler. C’est pourquoi le musée du Louvre, en collaboration avec l’Ambassade de France en Uruguay et la Mairie de Montevideo, a installé des photographies en haute résolution de 122 œuvres de sa collection le long de la plage de Pocitos, l’une des plus populaires de la capitale uruguayenne.

Intitulé « Images du Louvre : six siècles de peinture européenne », ce projet expose des reproductions des tableaux en taille réelle, à l’exception des très grands formats, dont seul un détail est montré. Les images ont même gardé les cadres et les ombres autour des tableaux. L’accrochage des œuvres a été organisé chronologiquement et par école. De plus, l’exposition comptera avec des visites guidées pour assurer la mission pédagogique du projet.

Mais Marie-Catherine Sahut, une conservatrice du musée du Louvre, souligne qu’il est fondamental que le public soit conscient que ces reproductions ne remplacent pas les œuvres d’art. « Le public ne pourra pas apprécier la texture des tableaux, mais la composition, les proportions et les couleurs ont été fidèlement respectées. Une partie de l’aura de l’œuvre est maintenue », a-t-elle expliqué au journal El Pais.

Artclair.com

http://www.imagenesdellouvre.blogspot.com/

Peinture Acrylique - Photos

2009-02-13T13:45:00.000-08:00

Vidéos

2009-02-12T11:41:00.000-08:00

Art Mudéjar

2009-02-11T19:41:00.000-08:00

Art Mudéjar
Mudéjars fut le nom par lequel étaient connus les musulmans qui, sans changer de religion sont restés en Espagne sous la vassalité chrétienne. Ils étaient des gens de religion et de culture islamique qui essayaient de s’adapter à leur nouvelle situation. Sa population augmentait constamment et ils sont devenus très nombreux dans certaines régions. Leur fortune dépendait énormement des intérêts du roi qui occupait le trône, passant ainsi des époques de répression aux autres de grande prospérité. En 1499 les Rois Catholiques ont converti forcément les mosquées en églises et ont obligé à se baptiser à tous les Mudéjars qui dès ce moment-la s’apelleront ‘Moriscos’. Ceux qui se sont adaptés bien ont été apellés ‘chrétiens neufs’ et ceux qui ne se sont pas adaptés ont été expulsés en plusieurs occasions, la dernière et definitive étant en 1609.
Pendant le temps où les Mudéjars convivaient avec les chrétiens, leur influence s’est laissé sentir largement. Parmi eux sont sorti d’illustres médécins et chirurgiens; ils se sont dédiés avec succés aux beaux arts, especialement à l’architecture et à la décoration, aussi bien qu’à la littérature et à la musique. Des oeuvres littéraires ont apparu de forme arabique mais au fond castillan et vice-verse; depuis le regne d’Alfonse X le Sage, les Mudéjars comme les juifs ont pratiqué la littérature ‘aljamiada’ (oeuvres en langue romance ou castillane écrites en caractères arabes ou hebreux) et ils faisaient traduire des livres de philosophie, de médecine, d’astronomie etc.
Personne n’a jamais parlé de la musique Mudéjar jusqu’à maintenant. Les Mudéjars n’écrivaient pas la musique - dans la culture arabe la musique est une tradition orale. Mais nous savons, par exemple, les noms des musiciens maures et les instruments qu’ils jouaient dans le palais de Sancho IV de Castille. On conserve aussi des lettres d’Alphonse d’Aragon quand en 1329 il a demandé au roi de Castille un musicien pour jouer la axabeba et le meocanon, des instruments arabes, et nous avons beaucoup de documentation là-dessus, que nous permet de voir une grande activité de musiciens Mudéjars en combinaison avec ceux de la chapelle.
On conserve des chansons anonymes comme Calvi Vi Calvi Aravi, au texte arabe mais écrites en castillan, et une multitude d’oeuvres dans la tradition arabe que les musiciens posterieurs ont adapté, orné et ramassé dans les chansonniers et dans les livres de musique publiés pendant les XVe et XVIe siècles. Sachant comment regarder, nous decouvrons les structures strophiques inventées en Al-Andalus, des melodies et des rythmes semblables à ceux utilisés dans la musique arabo-andalouse, conservés dans la tradition du Maghreb et dans des histoires racontées du point de vue de cette minorité ethnique Mudéjar, laquelle, impotente, se plaint de la perte de ses villes dans les batailles entre eux et les chrétiens.
Tout cela, ajouté a l’usage d’instruments musicaux d’origine arabe, qui depuis Alphonse X sont devenus une partie de la culture castillane et espagnole d’abord, et ensuite de celle de l’Europe, forme l’héritage de Al-Andalus qui a enrichi énormement la vie sociale et culturelle de ce temps-là.
L’effort des institutions civiles et religieuses des XVe et XVIe siècles pour cacher tout ce qui était musulman, ainsi que les nouvelles idées de la Renaissance venues de l’Europe, ont fait que l’influence de la culture arabe -que pendant plus de sept cents ans illuminait le terrain espagnol - a été oublié. Notre désir est de connaître l’histoire réelle des évènements, et plus nous la recherchons, plus conscients nous devenons de notre dette à la culture arabe qui a laissé dans la notre tant d’empreintes.

Uruguay

2009-02-11T14:26:00.000-08:00

http://fr.wikipedia.org/wiki/Uruguay

Ver mapa más grande

Les langues parlées en Uruguay

Malgré le grand nombre de langues parlées dans le pays (une trentaine), l'Uruguay demeure très homogène au plan linguistique, puisque 92,1 % de la population parle l'espagnol comme langue maternelle, notamment les Uruguayens (Blancs), les Afro-Uruguayens, les Argentins, les Espagnols/Catalans, les Juifs, les Chiliens et les Amérindiens détribalisés (ou assimilés).
Toutes les autres langues sont parlées par des communautés immigrantes, à l'exception des Amérindiens. Les langues les plus importantes sont l'italien (83 600 locuteurs), le galicien (env. 40 000 locuteurs), l'allemand (31 000), le français (20 000), etc. Encore aujourd'hui, Montevideo rassemble presque tous les étrangers du pays, surtout des Italiens, des Français, des Allemands et des Espagnols.
Le cas du portugais mérite d'être souligné de façon particulière parce que c'est la langue du grand pays voisin: le Brésil. Non seulement il est parlé par au moins 30 000 locuteurs, mais il est également connu comme langue seconde par beaucoup d'Uruguayens. Il existe également une autre langue appelée surtout portuñol, mais aussi portunon, portunhol (en portugais) ou encore brasileño ou brazilero, voire fronterizo (en port.: fronteiriço). Le portuñol correspond à une sorte de mélange d’espagnol et de portugais parlé surtout à la frontière brésilienne; on l'appelle le «portuñol de Riverense». On estime que cette langue mixe serait parlée par environ 58 000 locuteurs.
On ne compterait que quelques centaines de locuteurs pour l'ensemble des deux langues amérindiennes en voie d'extinction (le charrua et le chana). Non seulement il est impossible de savoir le nombre exact de ces locuteurs de ces langues, mais il est possible qu'il n'en existe plus aucun. Il est plus aisé de trouver des gens parlant le bulgare ou l'arménien qu'une langue amérindienne.

Les fêtes des Moros y Cristianos, 22, 23 et 24 avril

2009-02-11T08:41:00.000-08:00

Les fêtes des Moros y Cristianos (Moros i Cristians en catalan, Maures et Chrétiens en français) commémorent la Reconquête de la péninsule ibérique et les affrontements passés entre les populations chrétiennes et musulmanes. Anciennement, elles avaient lieu pratiquement dans toute la péninsule, puis se sont progressivement perdues ou se sont transformées. Aujourd’hui, on constate une renaissance spectaculaire de cette tradition. Elles sont actuellement célébrées dans différentes cités de l’est de la péninsule, comme la Région de Murcie, Castille-La Manche ou l'Andalousie, et spécialement la communauté valencienne les 22, 23 et 24 avril, surtout dans la Province d'Alicante. C’est dans cette province que se concentre à notre époque le plus grand nombre de cités qui célèbrent ce type de festivités. Cependant on les trouve également dans quelques villes de Catalogne, des Baléareset d’Aragon.

On 22, 23 and 24 April each year, Alcoy is decked out in the style of the Middle Ages to celebrate its ‘fiesta mayor’

(main festival). On the first day, there is a spectacular procession of Moors and Christians: the different groups that make up each army march majestically through the streets of Alcoy dressed in luxurious costumes.Around 5000 people take part in this highly popular event. On the second day, many different events are held in honour of St. George.

Exposition: L’Union fait l’esthétique

2009-02-10T15:10:00.000-08:00

Martin Luther King, Nelson Mandela, Barack Obama...

Tous sont partis d’un rêve pour faire tomber les barrières

raciales.

Depuis plusieurs années, l’Amérique du Nord, l’Afrique, la France, les Caraïbes, l’Amérique centrale et l’Amérique du Sud se rappellent, en février,

de ces leaders et grandes figures historiques

de la communauté noire.

Le mois de l’histoire des Noirs est aussi devenu un rappel de la contribution des

communautés noires au développement de la société

québécoise.

L’UNION FAIT... L’ESTHÉTIQUE

Différentes activités sont

organisées un peu partout, en

marge de cet événement. Joseph André, artiste engagé de Villeray reconnu pour ses

toiles inspirées par les grands noms du jazz, a eu carte blanche pour organiser L’Union fait l’esthétique, une

exposition d’oeuvres figuratives et non figuratives

dans les deux magasins Georges Laoun. «J’ai

sélectionné huit artistes. Mon choix s’est porté

sur des représentants de l’art haïtien. L’art africain est

aussi présenté», dit Joseph

André. Cette exposition sera d’ailleurs l’occasion de voir une de ses oeuvres

récentes.

Uruguay Natural TV - Online

2009-02-03T18:49:00.000-08:00

http://uruguaynatural.tv/

“Abraham Obama”

2009-02-03T10:29:00.000-08:00

L’artiste Ron English, populaire pour ses multiples “vols de billboard”, qui consistent à s’approprier un panneau publicitaire géant et y afficher son propre message, a encore frappé. Cette fois-ci à Los Angeles en apposant son fameux Abraham Obama par dessus une affiche de café glacé.

Le “Abraham Obama” est bien sûr une fusion du visage d’Abraham Lincoln et de Barack Obama, ce qui en dit long sur la perception des gens face au nouveau président.

Autres photos après le saut…

Exposition - Anhelo Hernández

2009-01-21T17:18:00.000-08:00

Anhelo Hernández est né à Montevideo en 1922. Il fut le disciple de Joaquín Torres Garcia et boursier de l’Ecole Supérieure d’Art de Berlin. Il a été professeur à l’Ecole des Beaux-Arts
de l’Université autonome de Mexico
et dirige actuellement un des ateliers
de libre orientation esthéticopédagogique
de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts
de l’Université de la République de l'Uruguay.

"La creación de Anhelo Hernández (Montevideo, 1922) ha conocido un intenso y prolífico derrotero. Solamente en su primera etapa, la formativa, que podríamos datar entre los años 1935 y 1945, transita por cuatro talleres: el Círculo de Bellas Artes, el del escultor Alberto Savio, la Escuela de Bellas Artes, y el más influyente en esta década, el Taller Torres García. Pero es apenas el comienzo.

Pues Anhelo Hernández no ha dejado nunca –y en este sentido su nombre ha sido también profético–, de investigar y de depurar sus sistemas expresivos, así como tampoco ha dejado de aproximarse a otros maestros que le permitiesen adquirir un repertorio técnico-formal amplio. En el campo de las artes gráficas, por ejemplo, se vincula con los mayores conocedores de cada área: Adolfo Pastor en litografía, María Carmen Portela en punta seca, el maestro berlinés Arno Mohr en aguafuerte, y a partir de sus 79 años hasta hoy, con el español Juan Carlos Melero, versado en las técnicas de procesamiento digital de la imagen e impresión en gran formato.

A pesar de que Hernández se ha visto a sí mimo –y ha generado a su alrededor una imagen consecuente–, como pintor y como grabador, en ese orden, lo cierto es que también ha incursionado con solvencia en la escultura, la ilustración, el diseño gráfico y el ensayo literario sobre temas de arte. Por eso hablar de constantes en su producción es una forma quizás un tanto forzada de anclar el sentido de una irradiación vocacional que debiera entenderse con arreglo a sus propias leyes creativas, esas que suponen una manera dinámica de enfrentarse a la adversidad y los cambios.

Más que constantes, en verdad, podríamos definirlas como variables en busca de equilibrio. De la tensión entre extremos surge el discurrir plástico: no se resuelven los contrarios, conocen una entonación distinta a cada paso..."

(Fragmento del catálogo de la Muestra Antológica de Anhelo Hernández en el MNAV por Pablo Thiago Rocca)

Inauguración: 20 horas

Concierto de violín 21:30 horas Xavier Inchausti

La muestra permanecerá abierta hasta el miércoles 28 de enero del 2009.

Fundación Pablo Atchugarry - Ruta 104 km 4.500 – El Chorro – Maldonado Tel 00598 (042) 775563 fundacionpabloatchugarry@gmail.com http://www.pabloatchugarry.com

Un golpe de Pop Art en la Casablanca

2009-01-21T16:39:00.000-08:00

La reciente elección de Barack Obama como nuevo presidente de los Estados Unidos ha roto muchos tabúes. Y no sólo políticos. Su imagen abierta al cambio ha tenido una réplica en el mundo del arte, que se enfrenta a la influencia de un nuevo icono de masas. Así, junto con las múltiples versiones que se han hecho de su imagen, es posible encontrar por primera vez un retrato surgido de forma espontánea de la mano de un artista, Shepard Fairey, engrosando el tradicional elenco de presidentes de la National Portrait Gallery (Washington). A medio camino entre el cartel de propaganda política y los retratos de Warhol, esta obra ejemplifica en clave pop algo que ya es indiscutible: el nacimiento de un mito.

Desde Jefferson hasta George Bush el repertorio de imágenes que conforman la galería de retratos de Washington es terrorífico, por lo adusto y aburrido. Algo normal, por una parte, si se tiene en cuenta que la intención del retrato de corte institucional, en todas las épocas y países hacia los que se mire, ha sido siempre la de inspirar respeto y distancia en el espectador/votante/súbdito. Pero Obama ha roto moldes, de nuevo: el retrato realizado por Shepard Fairey muestra a un presidente de colorista inspiración; el Pop Art ha hecho su aparición en la National Portrait Gallery, marcando un nuevo hito en los anales de la Historia del Arte.

No todo son diferencias sin embargo: a pesar de que Fairey ha confesado su escasa inclinación hacia la denuncia política, y en menor medida social (algo extraño en un graffitero), las reminiscencias del arte propagandístico de corte militar son claras en esta obra. El antecedente más directo lo encontramos en los carteles empleados como medios para avivar las conciencias dormidas durante la Revolución Rusa (véase Guerra civil en España, o I Guerra Mundial en Alemania). Una influencia a la que le han sido añadidos los tonos poppies de una bandera americana que vincula directamente el retrato en la mente del espectador con la idea del patriotismo americano, junto con la modernidad y el optimismo de rompedores de normas del calibre de Warhol o Linchestein.

Lo urbano, la cultura de masas, los iconos populares; cada uno de estos elementos, que podemos encontrar en la gestación del "Obama" de Fairey, entroncan además con la idea buscada por la campaña del recién electo presidente, algo que supieron aprovechar en su momento constituyendo este cartel, surgido de forma independiente, en imagen electoral. Y, en un paso más en el camino "de lo popular a la fama", el artista que lo ideó ha podido ver como su obra ha pasado a formar parte de un patrimonio formado por un género tan tradicional como es el de los retratos de líderes políticos. Shepard Fairey concluye así una trayectoria en continua inestabilidad entre la responsabilidad y la comercialización, el arte revulsivo y el mercado, y la imagen de Obama se suma a la lista de grandes iconos americanos, en una réplica irónica del muy conocido y nacional Tío Sam de J. M. Flagg.

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Arte y Estética

2009-01-06T12:47:00.000-08:00

Arte y Estética

Según Arnold Hauser, las «obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos» mas que no nos las explicamos. Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales. Nosotros, «de todo arte con el cual tenemos una relación auténtica un arte moderno».

Hoy día, el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario. Hegel, en su Estética, intentó definir la trascendencia de esta relación diciendo que : «la belleza artística es más elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».

Buscar la verdad detrás de las apariencias !, puede haber una finalidad más elevada y atractiva ? El arte se transforma así en la prolongación de la acción, ya que no trata de imitar o reproducir, sino que traduce una realidad metasensible ara poner lo espiritual en la experiencia cotidiana.

El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los volúmenes, los sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetría, de ritmo o de sorpresa. La sorpresa que para Charles Baudelaire, es el origen de la poesía. Así, según Kant, el placer estético deriva menos de la intensidad y la diversidad de sensaciones que de la manera, en apariencia espontánea, por la cual ellas manifiestan una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable.

Para Ernst Gombrich, «El arte, en realidad no existe. Unicamente hay artistas.». Más adelante, en la Introducción de su obra The Story of Art nos dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.

Siguiendo al mismo Gombrich, vemos como a los artistas también les sucede algo parecido : en el retrato de su hijo Nicolàs, el gran pintor flamenco Rubens, lo representó hermoso ya que seguramente se sentía orgulloso del aspecto del niño y nos quiso transmitir su pasión de padre a la vez que artista; en el retrato de su madre, el gran pintor alemán Durero, la dibujó con la misma devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural pero Durero, con su enorme sinceridad, creó una gran obra de arte.

Les Couleurs

2008-09-09T15:02:00.000-07:00

Words and Thoughts in RGB from Eduardo Morais on Vimeo.

COULEURS PRIMAIRES
IL y a trois couleurs primaires :
le bleu (cyan). Le bleu Outremer s'en rapproche le plus
le jaune. Le jaune Cadmium s'en rapporche le plus
le rouge. Ce n'est pas véritablement le rouge comme on le classifie souvent mais plutot un pourpre ou magenta
Ces couleurs pures ne peuvent pas être obtenues par le mélange d'autres couleurs. Le rouge et le jaune abondent dans la nature, contrairement au bleu, qui est plus rare.

De ces couleurs de base, en y ajoutant du noir et du blanc, on peut pratiquement en théorie créer toutes les gammes de couleurs.
La théorie des couleurs est fondée sur les couleurs du spectre qui sont pures alors que les pigments de la peinture ne le sont pas
Pour certaines couleurs secondaires tel l'orange, les violets ou les verts brillants il faudra les acheter. Personne n'est d'accord sur les appellations du rouge primaire.En réalité c'est un pourpre et le couleur secondaire orange est remplacé par le rouge.l'orange devient alors une couleur tertiaire
L'imprimerie utilise pour la reproduction des illustrations en couleur, ces mêmes trois couleurs de base auquel on y ajoute du noir.

Simply Uruguay

2008-07-26T17:34:00.000-07:00

Les langues parlées en Uruguay
Malgré le grand nombre de langues parlées dans le pays (une trentaine), l'Uruguay demeure très homogène au plan linguistique, puisque 92,1 % de la population parle l'espagnol comme langue maternelle, notamment les Uruguayens (Blancs), les Afro-Uruguayens, les Argentins, les Espagnols/Catalans, les Juifs, les Chiliens et les Amérindiens détribalisés (ou assimilés).
Toutes les autres langues sont parlées par des communautés immigrantes, à l'exception des Amérindiens. Les langues les plus importantes sont l'italien (83 600 locuteurs), le galicien (env. 40 000 locuteurs), l'allemand (31 000), le français (20 000), etc. Encore aujourd'hui, Montevideo rassemble presque tous les étrangers du pays, surtout des Italiens, des Français, des Allemands et des Espagnols.
Le cas du portugais mérite d'être souligné de façon particulière parce que c'est la langue du grand pays voisin: le Brésil. Non seulement il est parlé par au moins 30 000 locuteurs, mais il est également connu comme langue seconde par beaucoup d'Uruguayens. Il existe également une autre langue appelée surtout portuñol, mais aussi portunon, portunhol (en portugais) ou encore brasileño ou brazilero, voire fronterizo (en port.: fronteiriço). Le portuñol correspond à une sorte de mélange d’espagnol et de portugais parlé surtout à la frontière brésilienne; on l'appelle le «portuñol de Riverense». On estime que cette langue mixe serait parlée par environ 58 000 locuteurs.
On ne compterait que quelques centaines de locuteurs pour l'ensemble des deux langues amérindiennes en voie d'extinction (le charrua et le chana). Non seulement il est impossible de savoir le nombre exact de ces locuteurs de ces langues, mais il est possible qu'il n'en existe plus aucun. Il est plus aisé de trouver des gens parlant le bulgare ou l'arménien qu'une langue amérindienne.

Solidarythmé - Peinture en direct 2008

2008-07-12T15:40:00.000-07:00

Photographie

2008-07-12T15:35:00.000-07:00

Photo: 03/2009

Le tour de l'Ile

2008-06-08T07:51:00.000-07:00

Domingo 7 de junio 2009. El tour de la Isla, es un recorrido de 52 Km por La ciudad de Montreal que se realiza cada año. En esta oportunidad asisitieron más de 30 mil personas lo que creó en determinado momento "Bouchons" (embotellamientos) como sucedió en el interior de un tunel de dos cuadras de largo en subida, pero la algarabía no dejó de estar de fiesta, mientras todos cantaban y silbaban... Ole Ole Ole..., Ole Ola. Fue un dia espectacular, bien puedo decir que los últimos 10 kilometors los hice a duras penas!! para regresar a casa tuve que hacerlo caminando pues las piernas no me daban para dar un pedaleo de más. Durante todo el recorrido, cada un Km aprox habian voluntarios con camisetas verdes que animaban a los ciclistas dando indicaciones. Fue toda una fiesta familiar. Podria compararlo con la vuelta ciclista del Uruguay pero realizada por todo el mundo, grandes y pequeños. Habia tanta gente que no podia creerlo!. A las 12 pm hice una parada en uno de los parques repletos de ciclistas que tomaban su descanso, me dormi durante 20 minutos sobre el pasto a orillas del rio, A las 12.30 tome la ruta de nuevo. Y pasaban ciclistas como un rio. Más adelante como a 14 horas hice una parada en Un Tim Horton, comimos tranquilamente mirando pasar más y más gente. Fue realment increible, mismo una chicha de origen chino con la que converse mientras haciamos la larga la fila para comprar, me dijo que estaba impresionada este año, y me conto que en china cuando hay festejo0s así es una mar de bicicletas.Para finalizar les cuento que terminé el parcours de los 53 Km a las 3:30 pm... y legué a casa una hora y media después... a duras penas pero con el corazón contento!,de haber hecho ejercicio.

Exposition 1001 Visages 2007

2008-05-18T14:56:00.000-07:00

Site web: www.1001visages.com

TV

2008-04-08T16:58:00.000-07:00

Z-Tv 12

2007-05-09T11:16:00.000-07:00

Watch live video from El Principito Sosa on Justin.tv

z-tv 9

2007-05-07T08:46:00.000-07:00

Watch live video from Uruguay TV Canal 9 on Justin.tv